Fue entonces cuando una solución ingeniosa comenzó a emerger en forma de «música de huesos», también conocida ocasionalmente como música de «bones ‘n’ ribs» o simplemente «ribs». Un joven ingeniero de sonido de 19 años llamado Ruslan Bogoslowski, originario de Leningrado, cambió las reglas del juego al crear un dispositivo para piratear álbumes occidentales y distribuirlos por toda Rusia. El problema radicaba en que no encontraba material sobre el cual copiar sus grabaciones, ya que tanto los discos de vinilo como otros productos derivados del petróleo escaseaban tras la guerra.

Un día, sin embargo, se encontró con una pila de radiografías desechadas ¡y funcionaron! En aquel momento, la legislación rusa establecía que todas las radiografías debían ser destruidas después de un año de almacenamiento debido a su inflamabilidad. Por lo tanto, Ruslan buscaba en los contenedores de basura y pagaba a los enfermeros por las placas de radiografías. Durante 20 años, realizó alrededor de un millón de copias de contrabando en placas de radiografías, abarcando desde música clásica hasta los Beach Boys. Vale mencionar que, eventualmente, Ruslan fue sentenciado a cinco años de prisión en Siberia por esta rebelión (nadie puede hacerse una idea de lo que era una prisión en Siberia con temperaturas de 30°C bajo cero durante todo el año).

Durante más de 20 años, la música de huesos fue la única forma en que los amantes de la música rusa podían acceder a la música occidental. Estos discos se reproducían en «fiestas de música y café» en las cocinas, lejos de los oídos y los ojos de la KGB. Cada disco estaba hecho a mano y era único.

La música de huesos representa un testimonio del coraje clandestino para subvertir la autoridad, una forma de rebelión y un amor inquebrantable por la música.

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Sheehan es conocido por su estilo de tocar el bajo con dos manos, lo que le permite tocar líneas de bajo complejas y rápidas. También es conocido por su técnica de «tapping», en la que usa los dedos de ambas manos para tocar el bajo en lugar de usar una púa.

Sheehan ha tocado con varios grupos a lo largo de su carrera, incluyendo Talas, David Lee Roth, Mr. Big y The Winery Dogs. También ha lanzado varios álbumes en solitario, incluyendo «Compression» y «Cosmic Troubadour».

Además de su carrera como músico, Sheehan también es un defensor de los derechos de los animales y ha trabajado con varias organizaciones benéficas para ayudar a los animales necesitados.

Sheehan ha sido reconocido por su habilidad técnica y su estilo de tocar el bajo único. Ha sido galardonado con varios premios, incluyendo el «Mejor bajista» de la revista Guitar Player en varias ocasiones.

Sheehan ha participado en muchas canciones famosas durante su carrera. Aquí hay algunas de las más destacadas:

• «Shyboy» de David Lee Roth (1986): Sheehan tocó el bajo en esta canción del primer álbum en solitario de David Lee Roth, «Eat ‘Em and Smile».
• «Addicted to That Rush» de Mr. Big (1989): Sheehan es uno de los miembros fundadores de Mr. Big y tocó el bajo en esta canción de su primer álbum homónimo.
• «Green-Tinted Sixties Mind» de Mr. Big (1991): Sheehan también tocó el bajo en esta canción de Mr. Big, que se convirtió en uno de sus mayores éxitos.
• «Alive and Kickin'» de Mr. Big (1992): Sheehan tocó el bajo en esta canción del segundo álbum de Mr. Big, «Lean into It», que ganó un premio MTV Video Music Award.
• «Mr. Big» de The Winery Dogs (2013): Sheehan es uno de los miembros fundadores de The Winery Dogs y tocó el bajo en esta canción de su primer álbum homónimo.

En cuanto a los premios, aquí hay algunos que ha recibido a lo largo de su carrera:

• Mejor bajista por la revista Guitar Player en 1990, 1991 y 1992.
• Mejor bajista por la revista Bass Player en 1993, 1994 y 1995.
• Mejor bajista por la revista Player Magazine en 1992 y 1993.
• Mejor bajista por la revista Young Guitar en 1994.
• Mejor bajista por la revista Burrn! en 1997.

Estos premios son solo una muestra de la influencia que Billy Sheehan ha tenido en la comunidad de bajistas y en la música en general.

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Phil Collins comenzó su carrera musical en los años 70 como baterista y vocalista de la banda de rock progresivo Genesis. Durante su tiempo con la banda, Phil participó en la creación de algunos de sus álbumes más emblemáticos, lo que lo convirtió en un músico muy respetado en el mundo de la música. Sin embargo, Phil también tuvo una exitosa carrera como solista, lanzando varios álbumes en solitario que alcanzaron el éxito en las listas de éxitos.

A lo largo de su carrera, Phil Collins ha sido reconocido por su habilidad para combinar elementos de rock, pop, R&B y jazz en su música, lo que lo ha convertido en un artista verdaderamente único. Además, sus letras reflexivas y su poderosa voz han cautivado a fans de todo el mundo.

En este artículo, queremos celebrar el cumpleaños de Phil Collins y destacar algunos de los momentos más importantes de su carrera, tanto con Genesis como como solista.

Discos Destacados de Phil Collins con Genesis

1. «The Lamb Lies Down on Broadway» (1974) Este álbum doble fue el sexto de Genesis y es considerado uno de sus mejores trabajos. Con Phil Collins en el papel de vocalista principal, «The Lamb Lies Down on Broadway» presenta una serie de canciones épicas y ambiciosas que combinan elementos de rock progresivo, pop y teatro.
2. «A Trick of the Tail» (1976) Después de la partida del vocalista Peter Gabriel, Genesis se encontró en una encrucijada. Sin embargo, Phil Collins demostró ser un vocalista talentoso y capaz de mantener la esencia de la banda con su primer álbum sin Gabriel, «A Trick of the Tail». Este álbum presenta algunas de las mejores canciones de Genesis, incluyendo «Dance on a Volcano» y «Ripples».
3. «And Then There Were Three» (1978) Este álbum marcó un nuevo comienzo para Genesis, con la incorporación de nuevos elementos de pop y rock a su sonido tradicional de rock progresivo. Con Phil Collins como principal compositor y vocalista, «And Then There Were Three» presenta algunos de los hits más memorables de la banda, incluyendo «Follow You, Follow Me» y «Many Too Many».

   Discos Destacados de Phil Collins en Solitario

   

    

   1. «Face Value» (1981) Este fue el primer álbum en solitario de Phil Collins y es considerado uno de sus mejores trabajos hasta la fecha. Con su combinación única de rock, pop y R&B, «Face Value» presenta algunas de las canciones más emblemáticas de Phil Collins, incluyendo «In the Air Tonight» y «I Missed Again».
   2. «No Jacket Required» (1985) Este álbum de Phil Collins fue un gran éxito comercial, ganando el Grammy a Mejor Álbum en 1986. Con su combinación de pop y R&B, «No Jacket Required» presenta algunos de los hits más memorables de Phil Collins, incluyendo «Sussudio» y «One More Night».
   3. «Both Sides» (1993) Este álbum marcó un cambio de dirección para Phil Collins, con un enfoque en la introspección y la introversión en lugar de su estilo de pop y R&B anterior. Con su combinación única de rock, pop y jazz, «Both Sides» es un álbum verdaderamente original y un reflejo de la versatilidad de Phil Collins como músico y compositor.

    

    

   En resumen, Phil Collins es una leyenda musical que ha dejado una huella indeleble en la música popular. Con su carrera tanto con Genesis como en solitario, Phil ha demostrado ser un músico versátil y talentoso que ha capturado la atención y el corazón de los fans de todo el mundo. Feliz cumpleaños, Phil Collins !!!

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El primer sencillo del álbum, «Mr. Roboto», se convirtió en un gran éxito, llegando al número 3 en las listas de Billboard y ayudando a impulsar las ventas del álbum. Otros sencillos populares incluyen «Don’t Let It End» y «Heavy Metal Poisoning».

Además de la historia a lo largo del álbum, KILROY WAS HERE también destaca por su uso innovador de tecnología en la grabación y producción, como el uso de sintetizadores y efectos de sonido.

En resumen, KILROY WAS HERE es un álbum impresionante de la banda STYX que combina una historia intrigante con una mezcla única de géneros y tecnología innovadora. Es una pieza esencial en cualquier colección de música de los años 80 y un recordatorio del legado de la banda en la música rock.

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1.- «Blow by Blow» (1975): Este álbum marcó un cambio importante en la carrera de Beck, dejando atrás su estilo de rock y blues para explorar el jazz-fusión. Con colaboraciones de músicos de renombre como Max Middleton y Richard Tee, el álbum es una muestra del increíble talento de Beck como guitarrista y compositor.

2.-«Wired» (1976): Este álbum es otro ejemplo del estilo de fusión de Beck, con un enfoque más en el funk y el R&B. Con una banda de apoyo excepcional, incluyendo al baterista Narada Michael Walden y al bajista Wilbur Bascomb, «Wired» es considerado como uno de los mejores álbumes de fusión de la historia.

3.- «Emotion & Commotion» (2010): Este álbum marcó el regreso de Beck a un estilo más tradicional de rock y blues, pero con un toque contemporáneo. Con colaboraciones con artistas como Joss Stone y Imogen Heap, el álbum es una muestra del amplio rango de estilos que Beck pudo abordar con su guitarra.

Cada uno de estos álbumes de Jeff Beck fue una muestra del increíble talento y la versatilidad del músico como guitarrista y compositor. Cualquiera de estos álbumes es una excelente introducción a la carrera de Beck y una muestra de por qué fue considerado como uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos.

Etiquetas: #JeffBeck #guitarra #blues #rock #álbumes #mejores

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El álbum abre con «Some Like It Hot», una canción que se convirtió en un gran éxito gracias a su ritmo pegajoso y su energía contagiosa. El single también es conocido por su video musical, que presenta a una banda de músicos vestidos de trajes de esmoquin tocando en una estación de ferrocarril abandonada. Es una canción que sigue siendo una gran éxito de baile hasta el día de hoy.

Otro tema destacado del álbum es «Get It On (Bang a Gong)», una versión de T. Rex. es una gran muestra de la habilidad de la banda para darle un toque fresco y moderno a un clásico de la música. La banda agrega su propio estilo alérgico y funk a la canción, dándole una sensación completamente nueva y emocionante.

El álbum también incluye «Communication», que cuenta con la colaboración del guitarrista de Duran Duran, Warren Cuccurullo. La canción es una muestra de la química entre los miembros de la banda y su habilidad para crear una música de gran calidad juntos.

En general, The Power Station – The Power Station 33⅓ es un álbum impresionante que sigue siendo un clásico de la música de la década de 1980. La banda logra crear una mezcla única de rock, funk y pop que se siente fresca y moderna incluso después de más de 30 años. Es un álbum que definitivamente vale la pena escuchar y disfrutar.»

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Corría el año 1968. Jimmy Page estaba dando carpetazo a ‘sus’ Yardbirds y buscando músicos para un nuevo proyecto. Se unieron a él, el cantante Robert Plant y su amigo, el baterista John Bonham con quién había coincidido en ‘The Band of Joy’. Posteriormente se uniría el bajista (y multinstrumentista) John Paul Jones a quien Page conocía de sesiones en estudio.

Así, a principios de Agosto de 1968, Led Zeppelin cerró su mítica formación oficial con Page, Plant, Jones y Bonham. El grupo dejó patente desde los primeros ensayos, la especial química que había entre ellos. Y así, aunque todavía con el provisional nombre de The New Yardbirds, retomaron una gira que tenían programada por Escandinavia. En ella, pulieron todo el material que tenían preparado y dieron forma al que sería su álbum debut.

Evidentemente, el nombre les podía traer problemas legales, así que siguieron buscando. Al parecer, la idea de Led Zeppelin surgió de un chiste de Keith Moon (batería de The Who) haciendo alusión a que el nuevo grupo no funcionaría y caería como un Zeppelin de plomo (Lead Zeppelin). Luego quitaron la ‘a’ por temas de pronunciación en USA.

Apenas dos meses mas tarde y sin demasiado tiempo para ensayar, se metieron en los Estudios Olympic de Londres para grabar su ópera prima en algo más de 30 horas a lo largo de una semana y con un ridículo coste de algo más de 1.700 libras.

El estilo de Led Zeppelin está basado en el Blues Británico de Cream, John Mayall, Jeff Beck o Jimi Hendrix (adoptado británico). También escarban en la tierra del Delta Blues de Robert Johnson o Willie Dixon buscando los orígenes. A esa base de Blues y Hard Blues, sumaron otras influencias como el folk, la psicodelia o la música hindú.

Junto a algún otro grupo como The Who, Deep Purpple, Black Sabath o UFO (y otros menos conocidos) fueron la semilla de lo que posteriormente se conocería como Heavy Metal.

Atlantic Records

Peter Grant (el manager del grupo) firmó un contrato con Atlantic Records. Grant, increíblemente, consiguió que la potente discográfica aceptara todas las exigencias que Jimmy Page quería reflejar en el contrato. Así, el guitarrista y productor se aseguró el absoluto control creativo de la obra.

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Lo curioso es el hecho de que nadie de Atlantic Records llegó a escuchar previamente nada del contenido del disco. Tan sólo bastó la recomendación de Dusty Springfield para que ficharan a la banda.

El sonido del disco
Jimi Page tenía el sonido que quería para Led Zeppelin 1, absolutamente metido en la cabeza. Aprovechando toda su experiencia en estudio como músico de sesión, experimentó con diferentes ubicaciones de micros. Hasta entonces lo habitual era poner el micro pegado a los amplificadores (o fuente de sonido), pero Page descubrió que se conseguía mayor profundidad de sonido captando las señales acústicas desde más lejos. Así que combinó micros en posiciones lejanas con otros pegados.

La portada de la discordia
Durante la gira de promoción del álbum por Dinamarca, el grupo adoptó temporalmente el nombre de ‘The Nobs’. Esto fue debido a que la baronesa Eva Von Zeppelin, sobrina del creador del famoso dirigible, no permitió que «unos monos chillones» usaran su apellido. La cosa estuvo a punto de solucionarse cuando el grupo invitó a la baronesa al estudio. Allí hicieron todo lo posible por dar una buena imagen de chicos formales y todo iba bien, hasta que al salir del estudió, la baronesa vio la portada del disco con el Zeppelin en llamas. Entonces se incendió (nunca mejor dicho) y no quiso saber nada más de ellos.

Lanzamiento y recibimiento
El 12 de enero de 1969 se publicó finalmente Led Zeppelin 1. En ‘su casa’, el disco fue recibido, tanto por prensa como por público, sin demasiado entusiasmo. Debido a ello, el grupo no volvió a publicar ningún single un Reino Unido. Esta decisión no ayudó a la promoción del disco, ni a la de futuros trabajos de la banda, en territorio británico.

Pero al otro lado del charco la cosa fue diferente. La primera gira por USA de la banda con sus ‘explosivas’ actuaciones en directo supuso que, gracias al boca a boca y a la incipiente cobertura mediática, alcanzaran un tremendo y fulgurante éxito.

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